Фалько (Falco) — «Rock Me Amadeus» (1985). История песни.

Falco_Rock_Me_Amadeus_01

Автор статьи: Сергей Курий
Рубрика: «Зарубежные хиты»

Австрийский композитор Вольфганг Амадей Моцарт в рекламе никогда не нуждался. Тем не менее, в середине 1980-х его имя (особенно второе) зазвучало с новой силой и приковало внимание даже тех, кто равнодушен к классической музыке.

Началось всё в 1984 году, когда на экраны вышел художественный фильм Милоша Формана под названием «Амадей», который отхватил целых 8 «Оскаров»! Что и говорить — фильм получился необычным, ярким и увлекательным. Одна беда — к жизни реального Моцарта он имел такое же отношение, как и поэма Пушкина «Моцарт и Сальери» – то есть, продолжал культивировать давно опровергнутые мифы. В обоих произведениях мы видим беззаботного и весёлого гения, чуждого академическому снобизму и условностям. Антагонистом же привычно выступает его завистник и коллега — Сальери, который в итоге конкурента и «приморил».
Форман в своём фильме доводит легкомысленность главного героя до предела. Его Моцарт – гуляка, мот, бабник — и вообще ведёт себя, как «малолетний дебил». Конечно, всё это даёт зрителю лучше понять раздражение Сальери, но…

Falco_Rock_Me_Amadeus_09
Кадр из к-ф «Амадей» (1984).

Стоит ли говорить, что никаким разгильдяем Моцарт не был. На ниве музыки он пахал как лошадь, чуть ли, не с пелёнок и продолжал совершенствовать свой талант всю жизнь. В буйном алкоголизме и разврате тоже замечен не был. Более того — вместо того, чтобы кутить в компании шлюх, он тратил свои последние деньги на лечение жены. Что касается исторического Сальери, то он Моцарта не только не травил, но даже против него не интриговал.
Разумеется, не всё в фильме Формана — выдумки. Моцарт, действительно, был очень темпераментным и весёлым человеком, любил приёмы с балами и регулярно влезал в долги. Однако мифы оказались куда привлекательнее с художественной точи зрения и, как следствие, живучее.

Свою лепту в миф о Моцарте внёс и австрийский певец Йоханн Хёльцель, более известный под псевдонимом Фалько. Сравнивать поп-исполнителя с его великим земляком — глупо, но Фалько тоже совершил в своём жанре «революцию» — хотя и маленькую. А именно — сумел пробиться не только на англосаксонский музыкальный рынок, но и в чарты R’n’B, где белых (да ещё и европейцев) вообще не жаловали.

Falco_Rock_Me_Amadeus_03
Йоханн Хёльцель (19.02.1957-06.02.1998).

При этом у певца была собственная национальная гордость. Фалько принципиально пел свои песни на немецком языке, делая исключения лишь для припевов и отдельных фраз. Даже свой звучный псевдоним он заимствовал не из английского лексикона, а у знаменитого лыжника из ГДР — Фалько Вайспфлога.
Называя себя «крёстным отцом белого рэпа», певец тоже не сильно кривил душой. Правда рэп у него всё же получался специфический — по-немецкому чеканный, интеллигентный, да ещё и украшенный фирменным фальковским «оканьем».

Именно в таком стиле был написан первый большой хит певца — «Der Kommissar» (1981). В то время Фалько работал с продюсером Робертом Понгером, и у того как-то осталась бесхозная мелодия, от которой отказался другой его подопечный — Рейнхольд Бильгери. В итоге, Йоханн сочинил на неё свой текст — о парочке, рыскающей по Вене в поисках наркодилера и опасающейся нарваться на полицейских.
Тема была скользкой сама по себе. А тут ещё и басовая партия подозрительно походила на рифф из песни Рика Джеймса «Super Freak» (тот самый рифф, что впоследствии благополучно позаимствует Эм Си Хаммером для своей «U Can’t Touch This»).

Однако лейбл сразу учуял в «Дер Комиссаре» коммерческий потенциал и настоял, чтобы он был издан на первой стороне сингла (сам Фалько настаивал на другой песне «Helden von heute»). Сингл стал настоящим прорывом — он не только возглавил чарты Австрии, Германии, Франции, Испании и Италии, но и перелетел океан, покорив Японию (№1), Канаду (№11) и США (№72). Это был второй случай в истории, когда в американский чарт «Billboard» попала песня на немецком языке (первыми были KRAFTWERK со своим «Autobahn»).

Правда последующие синглы Фалько так и не смогли закрепить этот успех. Поэтому на запись третьего альбома «Falco 3» (1985) подтянули «тяжёлую артиллерию!» — голландский тандем Роба и Ферди Болландов. Братья не только продюсировали, но и сами сочиняли песни (их суперхит «In the Army Now», надеюсь, слышали все).

Falco_Rock_Me_Amadeus_06
Bolland & Bolland.

Над темой первого сингла для Фалько голову долго не ломали — только что по миру отгремел фильм Формана, а в 1986 году Австрия собиралась отмечать очередной юбилей Моцарта. Поэтому идея выпустить песню под названием «Rock Me Amadeus» всеми расценивалась, как беспроигрышный коммерческий ход. Всеми, кроме… самого Фалько. Певец почему-то счёл идиотией, что один австриец будет петь о другом австрийце, и громогласно заявлял, что согласился записать эту песню только «под сильным давлением руководства». В результате, на запись Фалько пришёл сильно выпившим, и Болландам даже пришлось подсказывать ему слова.

Текст песни (изрядно переработанный самим певцом) продолжал развивать и углублять образ Моцарта, заданный Форманом. В итоге получился уже откровенный стёб и гротеск, где великий композитор выступал в роли рок-звезды и бунтаря своей эпохи (в тексте даже звучит молодёжный девиз 1960-х — «Жить быстро — умереть молодым!»).

Он был панком и жил в большом городе Вена.
У него были долги, и он начал пить.
Но он любил всех женщин, и каждая говорила —
«Rock Me, Amadeus!».

Falco_Rock_Me_Amadeus_05a      Falco_Rock_Me_Amadeus_05b

Выражение «Rock Me» может нести в себе массу смысловых оттенков — «потряси меня», «покачай меня», но в устах возбуждённых барышень оно явно отсылала к другим телодвижениям. По крайней мере, сам Фалько всегда делал в этом месте весьма красноречивый жест. Он вообще был любитель пожестикулировать, хотя его изящные пассы руками мало напоминали рэпперские «распальцовки».

Falco_Rock_Me_Amadeus_02

Идея песни — о перекличке между двумя эпохами — получила своё дальнейшее развитие в смешном видеоролике. Там мы видим, как современная ипостась Фалько прибывает на карете во дворец и покоряет своей песней публику XVIII века. В свою очередь, Моцарт (тоже сыгранный певцом) – в камзоле и разноцветном парике — приезжает с компанией байкеров в современный бар и отжигает уже там. Надо сказать, что певец сильно был недоволен упомянутым париком – ему казалось, что в таком виде он больше походит на гея, чем на панка…

Расчёт Болландов и руководства лейбла оказался верным. Выпущенный в мае 1985 года, сингл «Rock Me Amadeus» возглавляет топ Австрии и многих других европейских стран (в т.ч. Британии). Мэр Вены даже приглашает Фалько выступить на открытии музыкального фестиваля классической музыки, где песня впервые прозвучала живьём (говорят, это был первый случай, когда поп-исполнитель удостоился такой чести).

Дальше — больше. В марте 1986 года «Rock Me Amadeus» становится первой немецкоязычной песней, сумевшей возглавить Национальный поп-чарт США (два года назад этот рекорд чуть было не установила немецкая певица Нена с хитом «99 Luftballons», но зависла на 2-й позиции). «Амадеусу» удалось попасть даже на 6-е место «чёрного» R’n’B-чарта (из белых рэпперов превзойти этот показатель удастся лишь Эминему в 2002 году).

Falco_Rock_Me_Amadeus_04a    Falco_Rock_Me_Amadeus_04b

Конечно, издавая сингл Фалько в США, пришлось пойти на некоторые компромиссы. Для американской версии Болланды решили добавить англоязычный хор «фанаток» Моцарта, которые пели: «Baby baby do it to me rock me…» («Детка, детка, сделай это со мной»).
Кроме того, лейбл «A&M» попросил Болландов сделать для Штатов ещё один версию — более громкую, энергичную и англоязычную. Фалько от пения на английском категорически отказался, но продюсеры справились и без него. В 8-минутном «Сальери-миксе» от певца остался лишь припев и отдельные словечки вроде «superstar». Зато была добавлена саксофонная партия, а также зачитана хронологическая справка о жизни Моцарта («родился… сочинил… умер…»). Завершала эту справку весьма самонадеянная строчка: «В 1985-м австрийский рок-певец Фалько записывает «Rock Me Amadeus»» (получилось почти, как в старой шутке — «Я и Пушкин»).

Говорят, что, узнав о своём громком успехе, Фалько больше расстроился, чем обрадовался («Мне никогда не выпустить подобный хит ещё раз, теперь всё кончено!»). И, действительно, на волне популярности «Амадеуса», в американский поп-чарт смогли пробиться только две песни. Первая — «Vienna Calling» («Вызывает Вена»), сочинённая теми же Болландами (она заняла 18-е место).

Вторая – баллада под названием «Jeanny» (20-е место), вызвавшая в момент выхода бурю негодования. Фалько обвиняли в сочувствии сексуальным маньякам и пропаганде насилия, феминистки забрасывали певца тухлыми яйцами, а радиостанции боялись ставить песню в эфир.

Falco_Jeanny_03

А ведь поначалу Болланды сочинили «Джинни» , как безобидную балладу о девочке, которая ссорится с родителями из-за любимого мальчика и сбегает из дома.
Однако Фалько полностью переписал текст, превратив его в монолог мужчины, болезненно одержимого прекрасной девушкой (скорее всего, проституткой). В тексте нет конкретных указаний на изнасилование и убийство, хотя горячечное обращение преследователя к объекту своей страсти явно наводит слушателя на нехорошие мысли.

Джинни, давай, вставай, пожалуйста.
Ты вся промокнешь, уже поздно, давай.
Мы должны уйти отсюда из этого леса – понимаешь?
Где твоя туфелька? Ты её потеряла, когда я тебе показывал дорогу.
Кто потерял? – Ты себя? Я себя? — Или… Или мы нас?

Врывающийся в песню, голос теледиктора, сообщающий о пропавшей 19-летней девушке, оптимизма тоже не прибавляет…

Falco_Jeanny_01

«Jeanny» была построена по уже привычной схеме: в куплете — декламация на немецком, в припеве — пение на английском. Однако, по эмоциональности исполнения — это, наверное, самая сильная композиция во всей дискографии Фалько.

Из статьи Дмитрия Семенидо «Фалько — чёрное золото Австрии»:
http://disco80.xyz/?falco6

Хорст Борк о записи «Jeanny»:
«Он захотел петь сидя, потому что «Джек Дэниелс» и кокаин уже сделали свое дело. Когда запустилась пленка и Ханс начал петь, мы застыли у пульта в недоумении: это не был ни текст Болландов, ни то, что Ханс писал на кухне.
Фалько наполнил текст мрачными угрозами и с демонической радостью будто бы уже предвкушал спекуляции, которые потом возникнут вокруг песни. Сцена была жутковатой: снаружи поднималось солнце, Ханс в темных очках сидел в полутьме на своем стуле. Со смесью агрессии и отчаяния он словно бы пел о своей собственной жизни. С каждой новой строчкой в его исполнении мы покрывались мурашками. Он не хотел никаких пауз, как одержимый он прокручивал фонограмму снова и снова, доводя работу до совершенства. Наконец он почувствовал полное удовлетворение, лег на каменный пол и мгновенно погрузился в глубокий сон…».

Фалько:
«Всё, что я слышу вокруг — это слово «убийство». Я не собирался писать песню, поощряющую убийство, я хотел написать песню об убийце.
«Jeanny» — это, прежде всего, песня о любви, которая может быть интерпретирована по-разному. Те немногие люди, кто видят в ней только убийство и насилие, воспринимают её смысл гораздо более ужасным, чем я в неё вкладывал».

Скандал вокруг песни только подхлестнул интерес слушателей, и сингл с туфелькой на обложке, снова оседлал вершины европейских чартов. На «Jeanny» был снят клип, призванный смягчить восприятие слушателей: якобы умершая героиня в конце таки открывала глаза, а финальный титр уверял, что это лишь «Конец 1-й части».

Falco_Jeanny_02
Роль Джинни сыграла 15-летняя Тереза Гуггенбергер, ученица школы танцев при Венском театре мюзикла.

Фалько не обманул ожидания и в 1986 году выпустил 2-ю часть истории про Джинни под названием «Coming Home» («Возвращаясь домой») с той же девушкой Терезой Гуггенбергер в главной роли.

Что касается «Rock Me Amadeus», то Фалько исполнял свой главный хит вплоть до своей преждевременной гибели (в феврале 1998 года его автомобиль врезался в автобус). Одну из самых интересных версий песни певец записал в 1994 году вместе с симфоническим оркестром (это живое выступление вошло на «живой» альбом «Symphonic»).

Что уж говорить о чужих каверах на «Амадеуса»! Из-за броского риффа песня особенно полюбилась «металлическим» группам (см. версии MEGAHERZ, Leo Moracchioli, ANCORAE, METALLICA). Не забывают о ней и филармонические оркестры, которые иногда вплетают в кавер отрывки из самого Моцарта.

А в 2018 году свою версию записал (записала?) победитель (победительница?) «Евровидения» — Кончитта Вурст.

Плюс ко всему «Амадеус» оказался благодатным объектом для пародирования. Например, в руках мексиканской группы MOLOTOV хит Фалько превратился в песню под названием «Amateur» («Любитель, дилетант»). В анимационном ТВ-сериале «Крошки Маппеты» можно услышать «собачью» версию под названием «Rolfgang Amadogus». А в мультсериале «Симпсоны» (серия «Рыбка по имени Сельма») песню поют жители Планеты Обезьян, декламируя вместо «Amadeus! Amadeus!» — » «Dr. Zaius! Dr. Zaius!».

Лично мне больше всего понравился кавер от земляков Фалько — австрийской группы DRESCHER. В их версии «Амадеуса» прекрасно всё — и неожиданное сочетание аккордеона с «металлическими» риффами, и сопроводительный видеоролик, где Моцарт окончательно пускается во все тяжкие — бродит по Вене бухой, показывает нам средний палец и хватает девушку за задницу. А я уж думал, что нельзя снять клип на » Rock Me Amadeus» смешнее оригинального!

Автор: Сергей Курий
май 2019 г.

OPUS — «Live is Life» (1985). История песни.

Live_is_Life_Opus_01

Автор статьи: Сергей Курий
Рубрика: «Зарубежные хиты»

История навязчивого напева «Лайв ис лайф! На-на, на-на-на!» началась в 1984 году, когда австрийская группа OPUS готовилась праздновать своё 11-летие. Почему для юбилея была выбрана такая «некруглая» дата, я не знаю. Но могу предположить, что только через 11 лет своего существования группа почувствовала себя достаточно популярной для подобных торжеств.

Дело в том, что свои первые альбомы OPUS стал выпускать лишь в начале 1980-х. А почти все 1970-е годы исполнял в основном чужой материал — всякие там хиты DEEP PURPLE и COLLOSEUM. Вряд ли тогда музыканты предполагали, что у них будет собственный мировой хит, на который уже другие запишут не меньше 150 каверов!
Впрочем, тогда — в 1984 году — мирового признания у группы ещё не было. Зато у неё уже было множество поклонников в немецкоговорящих странах (петь при этом группа всё-таки предпочла на английском).

И вот, в преддверии юбилея, музыканты решили сделать своим фанатам своеобразный подарок — написать песню, изначально рассчитанную на совместное исполнение вместе с публикой. Мелодия будущего хита пришла в голову гитариста Эвальда Пфлегера, когда он отдыхал на пляже Ибицы. И, хотя гитары под рукой не было, забыть столь заразительный мотив было трудно. Песню доводила до ума вся группа, поэтому авторские права зачислили и на других её членов — Курта Рене Плиснира (клавишные), Гюнтера Грасмука (барабаны), Ники Грубера (бас) и Хервига Рюдиссера (вокал).

Live_is_Life_Opus_02

«Live is Life», как и планировалось, была представлена публике на юбилейном концерте, который проходил 2 сентября 1984 г. на стадионе австрийского города Оберварт (говорят, там собралось аж пять тысяч человек). Причём песню решили сразу же там и записать, чтобы сохранить её концертный дух. Однако во время записи случился казус — по чьему-то недосмотру закончилась магнитофонная плёнка, и «Live is Life» пришлось исполнять второй раз. Но нет худа без добра. К этому времени публика уже разучила песню, поэтому хлопала и пела так слаженно, что «Live is Life» стала, чуть ли, не образцовым примером концертной записи.

Что касается текста и содержания песни, то многие слушатели до сих пор путаются и поют не «Live is Life» («Жить — это жизнь» или «Живое — это жизнь»), а «Life is Life» («Жизнь есть жизнь»). Судя по всему, авторы не закладывали в оригинальное название какой-то особо глубокий смысл. Речь в тексте шла о преданности группы сцене и энергетическом обмене со своей публикой. А словечко «Live» было призвано подчеркнуть то, что песня рассчитана на «живое» исполнение.

«Live is Life» вошла в одноименный концертный альбом группы 1984 года, а также была включена бонусом в студийный альбом «Up And Down», когда его переиздавали для Канады и США. Разумеется, песню выпустили синглом, и в 1985 году она начинает штурмовать чарты по всему миру.

Live_is_Life_Opus_04

Первой пала континентальная Европа — «Live is Life» стала №1 в Австрии, Германии, Франции и Швеции. Затем пришло время Великобритании (№6), Канады (№1) и, наконец, США (№32). Для австрийской поп-музыки попадание в американские чарты стало настоящим прорывом. Успех OPUS смог превзойти только австриец Фалько со своим «Амадеусом», которые заслуживают отдельной статьи.
Для раскрутки по всяческим «MTV» на «Life is Life» был снят смешной клип про объединяющую силу музыку. Там показано, как злобные панки, изначально настроенные по отношению к песне резко отрицательно, в итоге тоже не смогли устоять перед её энергетикой.

В СССР «Live is Life» стала безумно популярной и без всяких хит-парадов. У меня даже существует подозрение, что свою песню «Сто друзей» с хоровым «О-о, о-о, на-на-на-на-на!» Игорь Николаев сочинял для Аллы Пугачёвой с явной оглядкой на австрийский хит.

Что касается дальнейшего творчества австрийцев, то им удалось выпустить ещё один успешный сингл — балладу «Flyin ‘High» (тоже записанную «вживую»). После чего популярность стала снижаться, и для многих OPUS так и остался «группой одного хита». Зато этот хит не забывала ни сама группа, ни слушатели, ни другие исполнители…

Любопытные могут послушать каверы с женским вокалом от Stargo и Hermes House Band feat. Dj Otzi, жёсткую версию от Darkness Light feat. Kess, «хрипучую» версию от отечественных БОНИ НЕМ, версию от LaLa Band для румынского сериала «Pariu cu viaţa» или франкоязычную версию «La vie chante» («Жизнь поёт») от квебекского канадца Рене Симара.
Иногда оригинальную песню перерабатывали коренным образом. Например, в 2016 году американская певица София Карсон записала на основе «Live is Life» собственную композицию «Love Is The Name» — сделав старый мотив более танцевальным и молодёжным.

Но, безусловно, самым оригинальным и необычным кавером до сих пор остаётся версия бывшей югославской, а ныне словенской, индастриал-группы LAIBACH. Точнее — две версии, вошедшие на пластинку «Opus Dei» (1987). Словенские музыканты не раз черпали своё вдохновение в поп-музыке, хотя всегда настаивали, что записывают не каверы, а самостоятельные «интерпретации».

Live_is_Life_Laibach_01

Вот и на этот раз они превратили задорную жизнерадостную песенку в суровый и пафосный военный марш, сопровождаемый трубами, утробной декламацией Милана Фраса и эпичным хором. Первую сторону пластинки открывала немецкоязычная версия под названием «Leben Heisst Leben (Life is Life)» (обратите внимание, что слово «Live» исчезло), а вторую — англоязычная под названием «Opus Dei» (в переводе с лат. «Дело Божье» — такая себе забавная отсылка и к австрийской группе, и к известной католической организации). Англоязычную версию издали на сингле и сопроводили не менее необычным видео.

Здесь надо сказать, что участники LAIBACH всегда отличались провокационным подходом к творчеству. Их песни и видео всегда были наполнены скрытыми ссылками и специфической иронией. Иронию понимали далеко не все. Ватикан возмущался названием «Opus Dei», а политкорректные европейцы с ужасом обнаружили в оформлении альбома свастику из четырёх окровавленных топоров, пока им не объяснили, что рисунок взят из творчества немецкого художника-антифашиста Джона Хартфилда.

Live_is_Life_Laibach_03    Live_is_Life_Laibach_02
Слева — плакат Джона Хартфилда, справа — «пятачок» пластинки «Opus Dei».

Вот и видео к «Life is Life» (реж. Андерс Стенмо) во многом было своеобразной пародией на тоталитарно-патриотическую эстетику. Для монументальной музыки был подобран соответствующий словенский фон (величественные Альпы, водопад Савица и часовня, построенная в память о погибших русских военнопленных), а музыканты принимали уморительно картинные позы, характерные для пропагандистских плакатов 1930-х годов.

Live_is_Life_Laibach_04

Интересно, что немецкоязычная версия песни заметно отличалась от англоязычной — как по аранжировке, так и по тексту.

Из интервью с группой LAIBACH:
«- Ваш немецкий текст для «Leben heisst Leben» вводит новые слова в структуру песни — «Fest» (праздник), «Schmerz» (боль), «Land» (земля) и «Tod» (смерть). И вы полностью исключили «Live» из названия. Почему?
— Потому что жизнь жива по определению.
— Что вообще означает «Жизнь есть Жизнь»?
— Это означает то, что означает. В этом нет никакой тайны; жизнь — это жизнь, а смерть — это смерть. Трудно высказаться более ясно и точно по этому вопросу, даже если OPUS не осознавали, о чём пели.
— Почему вы выпустили две версии?
— Потому что жизнь слишком сложна для единственного толкования.
— Чем ваша песня лучше оригинала?
— Мы никогда не говорили, что лучше; это просто другая песня, другая интерпретация».

В 1989 году интерес к «Live is Life» изрядно подогрел Диего Марадонна, игравший в чемпионате Кубка УЕФА за итальянский клуб «Наполи». Разминаясь перед полуфиналом (противником выступал немецкий клуб «Бавария»), экспрессивный аргентинец устроил под звуки хита настоящее представление — жонглировал мячом, приплясывал, прихлопывал, чем изрядно отвлекал дисциплинированных немцев, тренирующихся неподалёку.

Стоит ли удивляться, что песня, которую можно распевать хором, сильно полюбилась спортивным болельщикам. В 1994 году перед очередным чемпионатом мира по футболу OPUS представляют «спортивную» версию своего хита, включающую знаменитое «Оле-оле-оле» и даже цитату из песни PET SHOP BOYS «Go West».

А в 2008 году записывают ещё одну версию «Life is Life» — на этот раз в стиле «регги» и с участием Фрица Джерэя — лидера группы TIM TIM.

Автор: Сергей Курий
апрель 2019 г.

История «Back Street Luv» (1971) и других песен группы CURVED AIR

Curved_Air_01

Автор статьи: Сергей Курий
Рубрика: «Зарубежные хиты»

С творчеством британского коллективе под названием CURVED AIR (ИЗОГНУТЫЙ ВОЗДУХ) я познакомился довольно поздно. И во многом это случилось, благодаря тому, что два его бывших участника (скрипачи-виртуозы Дэррил Вэй и Эдди Джобсон) «засветились» в, трепетно обожаемой мною, группе JETHRO TULL. Первый отметился на альбоме «Heavy Horses», а второй не только записывал материал на альбоме «A», но и принимал активнейшее участие в гастролях 1980 года. Кроме того между CURVED AIR и JETHRO TULL Джобсон успел поучаствовать в не менее популярной группе ROXY MUSIC (вместо ушедшего Брайана Ино).
Другие экс-музыканты ИЗОГНУТОГО ВОЗДУХА тоже оказались парни не промах. Басист Мик Вэджвуд поиграл в группе CARAVAN, а барабанщик Стюарт Копленд стал одним из основателей знаменитого трио POLICE

К сожалению, cегодня о CURVED AIR помнят в основном продвинутые меломаны. А ведь в первой половине 1970-х альбомы группы занимали довольно высокие места в британском хит-параде. Слушая их, не перестаёшь удивляться тому, что такая необычная и «завёрнутая» музыка могла иметь успех у массового слушателя. Всё началось ещё в конце 1960-х, когда рок стала играть не только дворовая «босота», но и молодёжь с добротным классическим образованием, желавшая расширить рамки модного жанра.

Curved_Air_02
Группа CURVED AIR была названа в честь композиции авангардного электронного музыканта Терри Райли «A Rainbow in Curved Air» («Радуга в изогнутом воздухе»).

Такими были и основатели CURVED AIR — пианист Фрэнсис Монкман и, помянутый выше, скрипач Дэррил Вэй. Чего только не было намешано в их музыке — и классика, и фолк, и джаз, и психоделика, и чёрт знает, что ещё! Для того, чтобы не мучиться, критики даже придумали для подобной музыки новый термин — «прогрессивный рок». Но даже среди своих коллег по прогроку CURVED AIR заметно выделялись — и не только звуками электроскрипки. Во-первых, в их музыке не было, привычного для этого жанра пафоса и зазнайства — как правило, они старались не писать ораторий длиной по 20 минут и вообще подходили к музыцированию с изрядной долей иронии.

Юмора (порой довольно «чёрного») хватало и в текстах. Достаточно послушать весёлый вальсок «Bright Summer’s Day ’68», где рассказывается о том, как одним прекрасным летним днём папа застрелил маму, а брат попал в тюрьму. Не менее забавна и композиция «Everdance», немного напоминающая сюжет сказки Андерсена «Красные башмачки». Герои этой песни — путники, которые забредают в дьявольскую таверну, где их заставляют кружиться в вечной пляске — даже после своей смерти.

Третьей ключевой фигурой в CURVED AIR была девушка по имени Соня Кристина Линвуд. Женский вокал в рок-музыке встречался редко, поэтому будущий менеджер группы — Марк Ханау — посчитал, что Соня добавит в творчество ещё больше оригинальности плюс необходимую сексуальную изюминку. И не ошибся. Эта харизматичная девушка выступала на британской фолк-сцене с 13 лет и к моменту прихода в CURVED AIR уже имела богатый опыт (в частности, участвовала в лондонской постановке «хипповского» мюзикла «Hair») да ещё набор авторских песен.
Правда, у основателей группы и без Сони хватало своих музыкальных идей. Поэтому в дискографию CURVED AIR попала лишь одна песня, полностью написанная их вокалисткой. Зато какая!

Curved_Air_03

Романтическая фолк-баллада «Melinda (More or Less)» рассказывала о девушке, которая не желает быть ещё одной «игрушкой судьбы» и стремится сбежать от «пошлой прозы жизни» в мир своих снов и фантазий.
Соня сочинила «Мелинду» в 1967 году, когда ей было 18 лет, и показала Монкману и Вэю ещё на первом прослушивании. Тем не менее, песня нашла себе место лишь на третьем альбоме группы. И хотя «Melinda» никогда не выходила синглом, она стала одной из «жемчужин» в творчестве CURVED AIR. Завораживающая мелодия стала ещё прекрасней, благодаря звукам клавесина, флейты и скрипки. Недаром попытку Сони записать новую версию баллады на своём сольнике 1991 года я не могу назвать удачной. В стремлении сделать аранжировку оригинальнее, а ритм — современнее, потерялось самое главное – красота изначальной мелодии.

«Melinda» стала также единственной песней CURVED AIR, где мы слышим игру Сони на акустической гитаре. Зато девушка оказалась весьма полезной в роли сочинительницы текстов. Учитывая витиеватость мелодий группы, это был настоящий поэтический вызов…

Соня Кристина:
«Они сыграли некоторые из своих мелодий, у которых ещё не было слов. Меня привлекло то, что музыка была действительно красивой. Это звучало очень мрачно и готично, и не походило на поп-музыку. Было непросто написать слова для этих мелодий, и это было захватывающе…
…Кроме того, меня попросили разработать вокал и добавить вибрато, что было нетрудно, ведь я давно восхищалась голосом Баффи Сент-Мари».

Curved_Air_04

Упомянутое «демоническое» вибрато мы можем услышать уже на первом сингле группы — «It Happened Today» («Это происходит сегодня»). Данная песня (с неожиданным скрипичным эпилогом) пропагандировала старую парадигму о том, что не стоит париться о вчерашнем и завтрашнем дне, а полноценно жить «здесь и сейчас».

И хотя этот сингл в британские чарты так и не попал, вышедший следом, дебютный альбом «Air Conditioning» (1970) поднялся до 9 позиции. Во многом этому поспособствовал лейбл «Warner Bros.», который сразу поверил в группу и не жалел денег для её медийной раскрутки. Одним из примеров подобного «расточительства» стало оформление альбома, который стал первой в истории пластинкой, выпущенной на цветном виниле — да ещё и с нанесёнными поверх бороздок текстами и картинками.

Curved_Air_05
Виниловая пластинка с альбомом «Air Conditioning».

Невзирая на успех, уже во время работы над вторым альбомом (так и названном, «Second Album») между главными композиторами группы начались творческие разногласия. При всём уважении друг к другу, как к музыкантам, у Монкмана и Вэя был совершенно разный подход к тому, что они делали. Монкман ценил в музыке спонтанность, а Вэй, напротив, был перфекционистом, предпочитавшим студийную выверенность концертным импровизациям. Неожиданно выяснилось, что два лидера никогда не сочиняли музыку вместе. Поэтому на «Second Album» они демонстративно поделили между собой стороны альбома (на одной были песни Вэя, а на второй — Монкмана).

Curved_Air_06

Тем не менее, именно на «Second Album» можно обнаружить единственный коммерческий хит CURVED AIR под названием «Back Street Luv» (что-то вроде «Нелегальная, или тайная, любовь»). Музыку сочинил Дэррил Вэй. Правда, его скрипки мы здесь не слышим, зато слышим эффектный рифф, сыгранный на электропианино.
Темой же песни стала история подростковой влюблённости Сони в «плохого парня».

Соня Кристина:
«Когда мне было 15 лет, я обычно прогуливала школу и однажды заметила белокурого мужчину, стоящего на ступеньках в местном зале для снукера. Я была очарована им, и в итоге его соблазнила. Хотя парень выглядел как поп-звезда, оказалось, что он сидел в тюрьме и имел жену с ребёнком. Но всё это не оттолкнуло меня. Однако я и думать не могла о том, чтобы привести этого парня домой, так как мой отец управлял тюрьмой и знал, кто он такой.
…Я всегда была тронута тем, как люди отождествляют себя с песней, которая в основном о том, как прогуливать школу, тусоваться со старшими парнями и вести тайную жизнь. Они не знают, о чём это и интерпретируют по-своему».

В августе 1971 г. сингл «Back Street Luv» взлетел на 4-е место британских чартов, а CURVED AIR впервые пригласили выступить в телешоу «Top of the Pops».

«Second Album» также показал неплохие результаты и занял 11-е место. Однако это не остановило раскол в группе. Третий лонгплей под названием «Phantasmagoria» (1972) стал последней студийной работой группы в оригинальном составе.
Лидеры CURVED AIR снова поделили между собой стороны пластинки, и свою сторону Монкман полностью отвёл под «эпос», вдохновлённый поэмой Льюиса Кэрролла «Фантасмагория» — ироничный рассказ о призраках и духах.

Фрэнсис Монкман:
«К моменту начала работы над «Phantasmagoria» группа напоминала неподъёмную гору, перед которой спасовал бы сам Сизиф… Мы чувствовали себя выжженными дотла… И вот, в разгар всех этих кризисов, где же мы очутились? В «Фантасмагории»! Идея, вообще-то, была недурна, да и поэма Льюиса Кэрролла мне всегда нравилась. Но недавно, прослушав альбом, я подумал: какая удивительно точная иллюстрация того бедственного положения, в котором мы оказались!»

И здесь пришло время сделать лирическое отступление. Несмотря на то, что CURVED AIR писали очень интересную музыку, поклонником творчества группы в целом я так и не стал. Тем не менее, все песни, упомянутые в этой статье, мне искренне нравятся. И, как ни странно, больше всего таких песен именно на третьем альбоме. Кроме, уже упомянутой, «Мелинды» и одноименной «Фантасмагории» нельзя не упомянуть первый его трек под названием «Marie Antoinette».
Как нетрудно догадаться, эта песня рассказывает о печальной судьбе королевы Марии Антуанетты, которая вместе с мужем Людовиком XVI была гильотиирована во время Великой Французской революции (недаром Соня записала ещё и франкоязычную версию). CURVED AIR убедительно передали, как ужас и обречённость высшего сословия перед волной народной стихии, так и ярость самих восставших. Мы слышим, как величественно-печальная мелодия неожиданно переходит в почти панковские гитарные риффы.

Гнев, порожденный голодом,
отравляет сердца твоих подданных.
Огонь в их глазах,
Сталь в их руках
Они поднимаются —
Всё преобразующая революция!
«Vive la Nation!»

После записи третьего альбома Мокман оказался на грани психического срыва — боялся спускаться в метро из-за шума и носил затычки в ушах. Недаром позже он отвергнет выгодное предложение Ричи Блэкмора войти в состав группы RAINBOW, сославшись, что сейчас хочет только одного — тихой домашней жизни.

Впрочем, после ухода Монкмана и Вэя история CURVED AIR не закончилась, затянувшись ещё на пять лет. Правда, она уже не была столь успешной, да и я не нашёл в позднем творчестве группы ничего особо привлекательного. Состав CURVED AIR постоянно менялся, стиль музыки тоже «плавал» от заурядного «рокешника» до чрезмерно заумных опусов (вроде 10-минутного «Metamorphosis» от Эдди Джобсона). Единственной неизменной участницей группы оставалась Соня Кристина, которая в 1977 году всё-таки свернула проект и занялась сольной деятельностью.

В оригинальном составе CURVED AIR воссоединятся лишь в 2008 году на фестивале «Isle of Wight».

Автор: Сергей Курий
апрель 2019 г.

Отис Реддинг (Otis Redding) — «(Sittin’ On) The Dock Of The Bay» (1968). История песни.

Otis_Redding_01

Автор статьи: Сергей Курий
Рубрика: «Зарубежные хиты»

Прошлый раз я обещал рассказать о чернокожем американском певце Отисе Реддинге. Том самом, что написал песню «Respect», которая стала хитом №1 для другой певицы — Ареты Франклин. Но, если Франклин прожила долгую жизнь и умерла в 2018 году в возрасте 76 лет, то Реддингу повезло куда меньше. На вершину американского топа ему удалось взобраться только после своей преждевременной смерти…

Впрочем, Реддинга трудно назвать неудачником. Ещё при жизни он стал уважаемым, успешным и богатым певцом. Его песни отличались простотой, многократно помноженной на сильное эмоциональное исполнение, которое собственно и является «душой» стиля «соул» (уж простите за тавтологию).

Отис Реддинг:
«По сути, мне нравится любая музыка, которая остается простой, и мне кажется, что именно такой подход делает соул-музыку успешной. Когда музыкальная форма становится нагроможденной или сложной, вы теряете внимание обычного слушателя. Нет ничего прекраснее простой блюзовой мелодии. В простоте есть красота, говорите ли вы об архитектуре, искусстве или музыке».

Стив Кроппер, гитарист группы Booker T. & the M.G.’s:
«У Отиса всё было связано с чувством и подачей. В большинстве его песен было всего 2-3 аккорда. Но вот динамике и энергии научиться сложно».

Otis_Redding_03

В прижизненной дискографии Реддинга уже было, как минимум, два больших хита — «I’ve Been Loving You Too Long» («Я любил тебя слишком долго») и «Try a Little Tenderness» («Прояви немного нежности»). Первую песню Отис сочинил сам, а вторая была классическим стандартом, написанным Кэмпбеллом, Коннелли и Вудсом ещё в 1933 году. И, хотя «Try a Little Tenderness» записывали множество певцов (Фрэнк Синатра, Бинго Кросби, Арета Франклин), именно версия Реддинга стала считаться канонической (так же, как его «Respect» стал каноническим в исполнении Франклин). Интересно, что сам певец не хотел записывать эту песню и изначально считал свою версию «шуткой», записанной, чтобы «отвязаться» от настойчивых просьб друзей.

Кстати, на обеих записях мы можем слышать группу Booker T. & the M.G.’s, с которой Реддинг работал на одном лейбле «Stax». Группа не только ему аккомпанировала, но и принимала участие в создании аранжировок и даже написании текстов. Так было и во время работы над песней «(Sittin’ On) The Dock Of The Bay» («Сидя на приcтани залива»), записанной буквально накануне трагической гибели певца…

История песни началась летом 1967 года, когда Отис выступал в солнечном Сан-Франциско. Там певцу предложили выбор — поселиться в отеле, или арендовать т.н. плавучий домик у океанского берега. Реддинг выбрал домик. Именно долгие наблюдения за паромами, курсирующими между Оклендом и Сан-Франциско, навеяли мотив будущего хита.

Перевод — Евгения:

Сижу под лучами утреннего солнца.
Я буду сидеть, когда наступит вечер,
Наблюдая, как приходят корабли,
А потом я буду смотреть, как они снова уплывают обратно…

Надо сказать, что в тот момент певец находился под большим впечатлением от альбома БИТЛЗ «Клуб одиноких сердец сержанта Пеппера» и старался сочинить нечто, выходящее за рамки своего стиля. Песня «The Dock Of The Bay», действительно, получилась необычной для Реддинга — в ней не было привычной исступлённости и любовной романтики. Исполнение стало более сдержанным, а настроение — созерцательным и даже меланхоличным. В тексте появились такие строчки, как «Мне не для чего жить…» и «И это одиночество не оставит меня одного» — в общем-то нехарактерные для жизнерадостного Отиса.

Otis_Redding_05

На самом деле в Сан-Франциско певец сочинил только мотив и первые строчки. Но результат его так впечатлил, что он не удержался и прямо из аэропорта позвонил Стиву Кропперу (гитаристу всё той же Booker T. & the M.G.’s), чтобы сообщить, что написал свой лучший хит. Собственно Кроппер и помог досочинить остальной текст, добавив туда и некоторые факты из биографии Реддинга («Я оставил свой дом в Джорджии…»). Правда, во время записи всё ещё не хватало последнего куплета, и Отис стал в этом месте просто насвистывать, надеясь, что текст допишут. Однако в итоге, свист так и остался.

Владелец лейбла «Stax» — Джим Стюарт — восторгов Реддинга не оценил и синглом песню издавать не хотел — настолько она выбивалась из стиля певца. Смягчился Стюарт лишь, когда услышал почти готовую версию. Она была сделана 7 декабря 1967 года, но спустя три дня случилась трагедия. Небольшой самолёт, на котором летел певец, упал в озеро. Из всех пассажиров выжил только один человек — и это был не Реддинг. В тот момент певцу было всего 26 лет…

Otis_Redding_02

Как только известие о смерти достигло лейбла, как Кропперу тут же дали указание — срочно микшировать «The Dock Of The Bay» для сингла. Изначально Кроппер хотел добавить в запись бэк-вокалы, но успел наложить лишь шум волн и крики чаек. Позже гитарист сетовал: «Именно так и работают звукозаписывающие компании. Они заставили меня закончить песню, хотя тело Отиса ещё не было найдено».

Впрочем, в коммерческом чутье лейблу не откажешь. Смерть Реддинга подстегнула интерес к новому синглу. «The Dock Of The Bay» вышел 8 января 1968 года и стал первым хитом певца, достигшим вершины топа. Более того — первым посмертным хитом №1 в истории американской поп-музыки.
Кроме того, Реддинг оставил столько записанного, но нереализованного материала, что его хватило ещё на несколько хитов и четыре полноценных альбома.

В 1987 году успешную версию «The Dock Of The Bay» (№11 в США) записал американский певец Майкл Болтон.

Автор: Сергей Курий
март 2019 г.

Арета Франклин (Aretha Franklin) — «Respect» (1967). История песни.

Aretha_Franklin_Respect_01

Автор статьи: Сергей Курий
Рубрика: «Зарубежные хиты»

Думаю, ни для кого не секрет, что популярное выражение «Респект и уважуха» звучит, как «масло маслянное», ведь слово «respect» и означает то самое «уважение». В поп-музыке же это слово, в первую очередь, ассоциируется с Аретой Франклин. В карьере этой афроамериканки было немало хитов, но именно «Respect» стал её «визитной карточкой».

Данная песня продемонстрировала не только завидные вокальные качества певицы (за что её прозвали «королевой соула»), но и её творческий подход к материалу. Именно благодаря Франклин, «Respect» стал восприниматься, как гимн феминизма, и даже, чуть ли, не как призыв к борьбе за права чернокожих. Недаром вскоре после выхода песни Мартин Лютер Кинг собственноручно вручил певице награду за её вклад в правозащитное движение.

Aretha_Franklin_Respect_03

А ведь поначалу смысл, заложенный в «Respect», было прямо-таки противоположным. Ведь сочинил и впервые записал эту песню мужчина — ещё один классик соула по имени Отис Реддинг. Собственно, и пелась она от лица мужика, который приходит с работы уставшим, а жена, судя по всему, то ли мозги ему полоскает, то ли в ласке отказывает.
Пишут, что источником вдохновения послужили дрязги в семье самого Реддинга. Однажды после тяжёлого турне певец излил душу барабанщику, а тот сказал: «Ты всё время в дороге. Поэтому, приходя домой, ты заслуживаешь, хотя бы, чуточку уважения». Так на свет родились строчки:

Эй, девчонка, ты слаще меда,
И я отдаю тебе все деньги,
Но всё, что я прошу взамен —
Немного уважения, когда я прихожу домой…

Otis_Redding_Respect

Песня получилась вполне в духе Реддинга — музыкально несложной, но при этом очень драйвовой. Сначала он планировал отдать песню другому исполнителю по имени Speedo Sims, но результат записи ему не понравился. В результате Реддинг записал «Respect» сам, и в 1965 году его сингл попал на 35-е место американского чарта.

Казалось бы, песня вполне состоялась. Да и сам автор считал её одной из своих самых удачных и любимых. Однако через два года Арета Франклин записала свою версию «Respect», которая полностью затмила оригинал и уже сама стала образцом для последующих каверов. Не случайно, выступая в 1967 году на Монтерейском фестивале, Реддингу пришлось напомнить, что сейчас он исполнит песню, которую у него «похитила девчонка».

Надо сказать, что версия Франклин затмила оригинал вполне заслуженно. Певица огранила «сырую» и «дикую» песню Реддинга, как ювелир — алмаз. Автор одной англоязычной статьи даже написал: «Я уверен, что в то время некоторые люди даже не осознавали, что эти две записи были одной и той же песней».

Aretha_Franklin_Respect_02

Во-первых, Арета сделала аранжировку роскошнее и изысканнее (да ещё и сама сыграла на ф-но). Она ввела в песню женский хор, а бэк-вокалистками выступили её сёстры — Кэролин и Эрма. Там, где у Реддинга играют духовые, мы слышим хоровое «just a little bit» («просто немножечко (уважения)»).

Также в песню были добавлены припев (где хор пропевал слово «Respect» по буквам — «R-E-S-P-E-C-T») и дополнительные строчки. Например, «sock it to me» («дай это мне»). Судя по всему, данная фраза имеет в оригинале гораздо больше оттенков — недаром, кое-кто подозревал, что здесь есть скрытый сексуальный подтекст. Сама певица это отрицала, утверждая, что просто взяла клише, расхожее в среде домохозяек.
То же касается и другой придуманной строчки — «Take care, TCB», где «TCB» — популярная среди афроамериканцев той эпохи аббревиатура, означающая «Taking Care (of) Business» («Займись делом»).

И хотя, текст песни по большей части остался прежним, Франклин коренным образом сместила смысловые акценты. Вместо привычных жалоб мужика на неблагодарную бабу, мы услышали требование сильной и уверенной женщины. Особенно непривычно звучала строчка «Я готова отдать тебе все свои деньги…», учитывая, что в ту эпоху основным добытчиком и распорядителем семейных финансов оставался мужчина.

Впрочем, Франклин могла себе это позволить. К тому времени она уже была успешной певицей, а после выхода в 1967 году сингла «Respect» и вовсе достигла статуса суперзвезды. Песня возглавила американский топ, а Франклин стала второй чернокожей женщиной, чьё лицо украсило обложку журнала «Time» (первой там засветилась в 1946 году оперная певица Мариан Андерсон).

Aretha_Franklin_Respect_04
Обложка журнала «Time» 28.06.1968.

На этом рекорды не закончились — в 1987 году Арета стала первой женщиной, чьё имя занесли в «Зал славы рок-н-ролла».
Когда певицу спрашивали, в чём секрет успеха этой песни, она отвечала предельно просто: «Все хотят, чтобы их уважали».

Из множества каверов, записанных на «Respect», самым креативным, наверное, можно назвать ТВ-постановку, которую устроил в 1968 году глава лейбла «Motown» — Барри Горди. Песню одновременно исполняли два «звёздных» вокальных коллектива «Motown» — мужской The TEMPTATIONS и женский The SUPREMESДайаной Росс во главе). В итоге получился настоящий гендерный «баттл», где каждый пол поочерёдно взывал к уважению. Забавно, что сама ТВ-программа носила уже знакомое нам название — «TCB».

Об огромной популярности песни свидетельствует и сцена из комедии «Аэроплан» (1980), где монахиня в салоне самолёта поёт «Respect», доводя чернокожих парней буквально до тошноты.

Ну, и на закуску ещё одна необычная версия «Respect», исполненная Дженнифер Баттен в стиле хард-рок.

А что же Отис Реддинг? — спросите вы. Смог ли он записать собственный хит №1? Об этом — в следующей статье.

Автор: Сергей Курий
март 2019 г.